初めての彩色

基礎デッサンからグリザイユへと段階を追って学ばれてきたＫ.ｎさんが、初めて色を使った油絵の制作過程を紹介します。

最初は基本どおり線で形を取っていきました。

一般的に油絵は明暗から始めるように指導される教室が多いと思いますが、アトリエラポルトではデッサンとの繋がりを考え、無骨に見えても形が曖昧にならないように線できっちりと捉えることから始めるようにしています。

次にシルバーホワイトとバーントアンバーだけで明暗を付けていきます。特に初心者の方はモチーフの色を明度で見ることに慣れていないのでこの過程を薦めています。

色は最も明るくて彩度の高いモチーフからつけていきます。

そしてこの明るさを基準にその他の色合いを決めるようにアドバイスしました。この進め方は、絵全体が暗く沈んだようになるのを防ぐのに有効な方法です。

全体に色が置かれた段階です。

この後、全体の明暗関係を調整しながら描き込んでいきました。

青いピッチャーのある静物　（Ｆ６号）

週１回（２時間半）の受講で約４ヶ月かかって仕上がりました。
時間はかかりましたが、大変完成度の高い作品になりました。初めての彩色した油絵としてはこの位描き込んであると作者の満足感も高いと思います。しっかりとしたマチエールに絵具の発色も大変綺麗です。ただ、個々のモチーフが若干置かれている空間から独立して切り離されているように見えます。コントラストの抑制やモチーフ相互の色の響き合いをいかに作るかが次の作品の課題となるでしょう。

ダイレクトペインティング

今回は典型的なダイレクトペインティングの手法で描いた作品を紹介します。

すでにダイレクトペインティングについては説明した事がありましたが（2013年9月25日のブログ）、要約すると対象の明度と色合いをパレットの上で混色して作り、直接キャンバスにおいていくやり方です。早く描ける半面、的確に明度と色合いが作れないと難しい方法です。

まずはキャンバスと同じサイズの画用紙に鉛筆デッサンをします。

ダイレクトペインティングは、絵具を使ってから形の修正を繰り返すと絵具の発色が悪くなります。しっかりとデッサンをしておく事が肝心です。

デッサンをトレーシングペーパーを使って、キャンバスに転写した状態

モチーフの色をパレットで混色して置いていきます。

この時最も明るい物（ここではインパラの頭骨）から始め、それを基準に他のモチーフの明度を決めていくと良いでしょう。私たちの経験上、影から始めると暗い絵になる方が多いからです。

週1回受講のＭａさんは、フレスコ画のようにその日に出来る範囲を決めて描いていき、それを繋げて全体の完成へと向かいました。

ヴァイオリンとインパラ　（Ｆ12号）

約３０時間で仕上がりました。

明暗法をベースにしながら明るい色鮮やかな絵になったと思います。構図も頭骨やヴァイオリンなど難しい形のモチーフをピラミッド型の構造線の中に収め、大変安定感のあるものになっています。


また、茶色のヴァイオリンの周りに反対色の緑の布、黄緑の葡萄の近くに赤紫の本など色の組み合えせも良く考えられています。

細密描写の絵ではありませんが、それらの造形的な工夫に加え、個々のモチーフの構造がしっかり取れているため描き足りない印象はありません。写真的なリアリティーが好まれる昨今ですが、「絵を描く意味」を考えさせる作品になったと思います。

アトリエの道具と画材 １２ ： 好みの色の絵具を作る

今回は大作や枚数を描く方にお勧めの方法を紹介します。

自分の絵のスタイルが出来始めると自然に使う色も決まってくるものです。そこでよく使う色を事前に混色してチューブに詰めておくと制作のスピードが飛躍的に高まります。

用意するする物
・空チューブ
・剥離紙(シリコン紙）
・パレットとペインティングナイフ
・自分好みの色作るための絵具







パレットに自分好みの色を混ぜ合わせて作ります。この時、樹脂や油を加えて乾燥速度や艶や粘り具合を自分なりに調整することも可能です。

出来た絵具を剥離紙の上にのせ、チューブの太さよりちょっと小さめに巻きます。












チューブにさし込んで上の方から絞り出していきます。

剥離紙の中の絵具がチューブに移ります。

最後にキャアップを傷めないようにトントンして、絵具を奥まで落とすと同時にチューブの中の空気を抜いていきます。

完成。

間違えのないように、使った絵具名と日付を書いたラベルを貼っておくとよいでしょう。

左から　豚の膀胱、ピストン式チューブ、錫チューブ

終わりにチューブの歴史を一言。

現在のような金属チューブ（昔は錫、現在はアルミが主流）の歴史は意外に浅く、１８４０年頃から使われ始めました。これにより画家は戸外での制作が出来るようになり、印象派に代表されるように絵画表現の領域が革命的に広がります。また、かつては画家の工房や小さな画材店で手作りしていた絵具が大きな工場で大量生産されるようになり、誰でも手軽に油絵具が手に入るようになりました。表現と画材の関係って面白いですね！

インパラの頭骨標本を描く

今回はちょっと変わったモチーフを描いた作品を紹介します。

作者のK.yさんは、アトリエラポルトでデッサンから順を追って学ばれて２年が過ぎました。そろそろ習作段階は終わって、自己の表現を探すところにきています。

そこで選ばれたのが、動物の頭骨の標本です。

中心となるのがインパラの頭骨（レプイカ）、その他は鹿の頭骨です。

動物の頭骨は、オキーフなどの現代美術の作家が良く取り上げるテーマですが、写実的な絵画技法の中で扱うには、形が不定形で複雑なので難しいモチーフです。

そこでキャンバスと同じサイズ（P１０）の画用紙に繰り返しデッサンをして構図を探していきました。
















デッサンが決まったらトレーシングペーパーを使ってキャンバスに転写して、グリザイユで描き始めました。

使用絵具は、カッセルアース（ブロックス）とシルバーホワイト（マツダ）、キャンバスはクレサン社製の中目（６６番）で今回は地塗りをせずに直接描いています。














ダイレクトペインティングの手法で、対象の色をパレットで混色して置いていきましたが、絵具の厚い・薄いや透明・不透明を意識して使い分けるようにアドバイスしました

仕上げに近づくにつれて、滑らかで溶け込んだようなモデリングになるように、練り合わせ溶液のスタンドオイルとベネチアンテレピンの濃度を上げ、かなりとろっとした状態の絵具で描くように薦めました。

インパラの頭骨のある静物　（Ｐ１０号）

油絵具を始めて手にしてから７作目（グリザイユも含む）になりますが、すでに習作を離れてＫ.yさん自身の作品として十分に鑑賞できるレベルになったと思います。

キャンバスの目に負けない位たっぷりと絵具がのって大変しっかりとしたマチエールになっています。また、白い頭骨の中の微妙な色合いの変化や寒暖の使い分けも的確でとても綺麗です。
















この調子で、より構成や色彩の面を深めていって頂ければと思います。次回の作品も楽しみにしています。

中間色の紙を使った裸婦デッサン

アトリエラポルトの講師による、中間色の紙を使った裸婦デッサンの制作過程を紹介します。すでに何度か画材については説明していますので、今回は特に構造的見方とモデリングについて取り上げたいと思います。（画材について興味ある方は、画面右側のラベルの人体デッサンを開いてみて下さい）

クロッキーの場合はともかく、それなりの時間をかけてデッサンができる時は、最初にモデルさんを良く測って、頭・胴・腰・腕・足などの大きな位置関係を決めること大切です。その際、直線で垂直・水平を基準に取っていくことで画面に対する位置関係を探っていきます。

次に斜線による対象の傾きを引いていきます。
部分的に引くのではなく、延長した線が他の形態のどこに行くのかを見ることが狂いの少ないデッサンを描くコツです。

人体の具体的な形を描き始めたところです。
現実のモデルさんの輪郭を見ると曲線の連続に見えますが、それをそのまま描こうとすると形の甘いデッサンになりがちです。あえて直線で捉えることで、形の変化する位置や線の長短を意識して描くようにしています。

大きな形が決まってきたら、次第に直線の中に曲線（円弧）をはさむように加えていき、人体の柔らかさをだします。

明暗の境を決めて影をおいていきます。

白チョークで明部を描き起こし始めたところです。

目に最も近い所から白チョークを置いていき次第に周囲に広げていきます。

擦筆やセーム革を使って浮いたチョークを馴染ませ、滑らかなモデリングにします。

細部はチャコール鉛筆の白を使っています。

裸婦デッサン　（540×370）
ミタント紙にチャコール鉛筆の白と黒、白チョーク

このような中間色の紙に白と黒で描く手法は、短時間で明暗とボリュームが表せるので、西洋では17世紀頃から盛んに行なわれてます。その中でもプリュードン（1758～1823）の人体デッサンは、最も卓越した例と言えるでしょう。アトリエラポルトでは、それらオールドマスターのデッサンを参考に、この手法を人物デッサンを学ばれる方に薦めています。

本の紹介 18 ヨハネス・イッテン著 「色彩の芸術」

今回は、ヨハネス・イッテン著「色彩の芸術」大智浩・手塚又四郎訳　美術出版社を紹介します。原本は1961年にドイツで出版され、日本語訳の初版は1964年で写真のは1974年の改訂版です。

著者のヨハネス・イッテン（1888～1967）は画家であり進歩的な教育者としてその業績は西洋で高く評価されています。特にバウハウスで行なった色彩と造形に関する授業は伝説的で、その後の美術教育に多大な影響を与えました。

「色彩の芸術」は、その中の色に関する部分をまとめたもので、「造形教育の基礎」（手塚又四郎訳　美術出版社）と共に、日本でも美術教育者（特にデザイン系）にとっての「虎の巻」とも言える存在です。


目次を見ると次のようになっています。

・色彩の物理面
・色彩の実感と色彩効果

１

・色彩の調和
・色彩とデザインの原理
・７種類の色彩対比
・混色
・色立体とカラースケール
・色彩の調和と変化
・形体と色
・色彩の空間効果
・色彩印象の原理
・色彩表現の原理
・コンポジション


内容の一部を紹介しますが、ここで特に注目すべき点はそれぞれの項目の説明に、多くの絵画を例にとって具体的にしているところです。

２

写真１は、イッテンの色相環ですが、それに基づいて写真２では１５世紀のアヴィニヨン派の画家アンゲランの絵を使って色相対比の説明をしています。

３ 

写真３は、明度対比の項目で、面積や組み合わせについて説明した後、東洋の水墨画やレンブラントの例を挙げています。

４

５

６

７

８

写真５は寒暖対比で、写真６はセザンヌの静物画を例にして説明しています。




















写真７は、同時対比の説明で、ゴッホの例（写真８）を取り上げています。











以上のような名画による解説が２８例もあり、絵を描かれる方にも大変参考になると思います。






ただ残念なことにすでに絶版で、現在手に入るのは要約版の「ヨハネス・イッテン　色彩論」で、これには絵を例にした解説と図版は載っていません。再版が望まれるところです。

フレンチ少女のグリザイユ

アトリエラポルトの近くの建築設計の会社にお勤めのT.eさんは、毎週金曜日の仕事帰りに受講されています。


今回のモチーフは、「フレンチ少女」の胸像です。

筆者はずっとフランス人の少女をモデルにした彫刻のように思っていましたが、最近出版された『石膏像図鑑』（脇本壮二著、堀石膏制作）によると、18世紀～19世紀にかけてアメリカで活躍した彫刻家ダニエル・チェスター・フレンチ作の女性像という意味でこの題名がついたのを知って驚きました。

最初にキャンバスと同じサイズ（Ｐ１０号）の画用紙に鉛筆デッサンをしました。時間をかけて慎重に進めるT.eさんはここまでに２０時間以上かけています。

描きあがったデッサンをトレーシングペーパーでキャンバスに転写します。

このグリザイユで使った絵具は、シルバーホワイト、アイボリーブラック、ランプブラックです。

ほとんどの油絵具は、白を加えると明るくなるとともに色調が冷たく変化します。黒絵具も同様で、この変化の調整に暖かめのアイボリーブラックと冷ためのランプブラック（またはブルーブラック）の2種類の黒を使いました。

油絵を始めて間もないT.eさんには、技法的説明は必要最小限度にして、とにかくモチーフを見て形と明度関係を正確に再現するようにアドバイスしました。

グリザイユ　「フレンチ少女」　Ｐ１０号

油彩に移ってからも30時間以上かけてじっくりと仕上げました。非常に長い時間がかかりましたが、その分油絵を始めて描いてから2作目とは信じられない完成度だと思います。
多少ぎこちないところもありますが、一生懸命描いた姿が伝わってくるような作品です。

このようにアトリエラポルトでは、制作時間を限定することなく目的に向かって作者が納得するまで描いて頂くことが、絵を学ぶ上で大切なことだと考えています。