本の紹介 18 ヨハネス・イッテン著 「色彩の芸術」

今回は、ヨハネス・イッテン著「色彩の芸術」大智浩・手塚又四郎訳　美術出版社を紹介します。原本は1961年にドイツで出版され、日本語訳の初版は1964年で写真のは1974年の改訂版です。

著者のヨハネス・イッテン（1888～1967）は画家であり進歩的な教育者としてその業績は西洋で高く評価されています。特にバウハウスで行なった色彩と造形に関する授業は伝説的で、その後の美術教育に多大な影響を与えました。

「色彩の芸術」は、その中の色に関する部分をまとめたもので、「造形教育の基礎」（手塚又四郎訳　美術出版社）と共に、日本でも美術教育者（特にデザイン系）にとっての「虎の巻」とも言える存在です。


目次を見ると次のようになっています。

・色彩の物理面
・色彩の実感と色彩効果

１

・色彩の調和
・色彩とデザインの原理
・７種類の色彩対比
・混色
・色立体とカラースケール
・色彩の調和と変化
・形体と色
・色彩の空間効果
・色彩印象の原理
・色彩表現の原理
・コンポジション


内容の一部を紹介しますが、ここで特に注目すべき点はそれぞれの項目の説明に、多くの絵画を例にとって具体的にしているところです。

２

写真１は、イッテンの色相環ですが、それに基づいて写真２では１５世紀のアヴィニヨン派の画家アンゲランの絵を使って色相対比の説明をしています。

３ 

写真３は、明度対比の項目で、面積や組み合わせについて説明した後、東洋の水墨画やレンブラントの例を挙げています。

４

５

６

７

８

写真５は寒暖対比で、写真６はセザンヌの静物画を例にして説明しています。




















写真７は、同時対比の説明で、ゴッホの例（写真８）を取り上げています。











以上のような名画による解説が２８例もあり、絵を描かれる方にも大変参考になると思います。






ただ残念なことにすでに絶版で、現在手に入るのは要約版の「ヨハネス・イッテン　色彩論」で、これには絵を例にした解説と図版は載っていません。再版が望まれるところです。

フレンチ少女のグリザイユ

アトリエラポルトの近くの建築設計の会社にお勤めのT.eさんは、毎週金曜日の仕事帰りに受講されています。


今回のモチーフは、「フレンチ少女」の胸像です。

筆者はずっとフランス人の少女をモデルにした彫刻のように思っていましたが、最近出版された『石膏像図鑑』（脇本壮二著、堀石膏制作）によると、18世紀～19世紀にかけてアメリカで活躍した彫刻家ダニエル・チェスター・フレンチ作の女性像という意味でこの題名がついたのを知って驚きました。

最初にキャンバスと同じサイズ（Ｐ１０号）の画用紙に鉛筆デッサンをしました。時間をかけて慎重に進めるT.eさんはここまでに２０時間以上かけています。

描きあがったデッサンをトレーシングペーパーでキャンバスに転写します。

このグリザイユで使った絵具は、シルバーホワイト、アイボリーブラック、ランプブラックです。

ほとんどの油絵具は、白を加えると明るくなるとともに色調が冷たく変化します。黒絵具も同様で、この変化の調整に暖かめのアイボリーブラックと冷ためのランプブラック（またはブルーブラック）の2種類の黒を使いました。

油絵を始めて間もないT.eさんには、技法的説明は必要最小限度にして、とにかくモチーフを見て形と明度関係を正確に再現するようにアドバイスしました。

グリザイユ　「フレンチ少女」　Ｐ１０号

油彩に移ってからも30時間以上かけてじっくりと仕上げました。非常に長い時間がかかりましたが、その分油絵を始めて描いてから2作目とは信じられない完成度だと思います。
多少ぎこちないところもありますが、一生懸命描いた姿が伝わってくるような作品です。

このようにアトリエラポルトでは、制作時間を限定することなく目的に向かって作者が納得するまで描いて頂くことが、絵を学ぶ上で大切なことだと考えています。

キューピットを描く

アトリエラポルトでデッサンを始められてから約２ヶ月、幾何形体→石膏レリーフ→石膏像半面と進んでこられたO.y さんが、いよいよ丸彫りの石膏像に挑まれました。





今回選ばれたのはキューピットの全身像で、石膏デッサンの定番と言えるものです。作者や制作年代は不明のようですが、セザンヌがモチーフにしたことで有名です。









エクス=アン=プロバンスにあるセザンヌのアトリエには、今でもその石膏像が残されています。
頭から左足までの弓なりの曲線的つながりと、前に伸ばした右足から頭にかけての直線的な構造線のコントラストが美しい像です。セザンヌが好んだのも分かるような気がします。

セザンヌ
「キューピットのある静物」
1895年頃

始めは線だけで描いていきます。
この段階では細部の形に拘らず頭から足までの大きなムーブマンとプロポーションを的確に捉えることが大切です。

全体の形が取れたら、現実の陰影を利用しながら個々の形をモデリングします。

特に初心者の方には頻繁にデッサンと石膏像を並べて置いて、離れた位置から見比べるようにアドバイスをしています。













一見すると可愛らしさだけに目が惹かれるキューピットですが、細部を描き込んみると、驚くほど解剖学的に正確に造形されているのに気がつきます。それをデリケートな明度差のモデリングで表すのがとても難しいところです。

キューピットの石膏像　鉛筆　（530×410）

約１５時間で描き上がりました。

アトリエラポルトでの4枚目のデッサンですが、回を重ねるごとに形の捉え方やモデリングが的確になってきています。それと同時に正確な人体の形の把握には、解剖学の知識が必要なことも分かって頂けたかと思います。

「見る事」と「頭で理解する事」との双方からデッサンを学ばれるのが上達への近道です。

テディベアを描く

今回は、デッサンから段階を追って学ばれてきたM,ｗさんの油絵作品を紹介します。

その前にアトリエラポルトのモチーフについて。

アトリエラポルトでは「見て描く」を基本と考えてますので、どうしても静物画が多くなってしまいます。そこでなるべく絵心を誘うようなモチーフをアンティークショップや雑貨店で探すように勤めています。

最近は質・量ともかなり充実してきたと思いますが、不思議なことに受講生の選ぶモチーフは似通った物になりがちです。

そこで今回のM,ｗさんはご自身がコレクションされているテディベアをお持ちになりセッティングされました。

まずは、基本に従って単色で明暗を捉えていきました。

この後はダイレクトペインティングの手法で、モチーフの色に合わせて絵具を置いていきます。

多色で描かれた油絵の２作目ですが、すでに他の教室で油絵を習われた経験があるので描き慣れていて手際がいいのに驚かされました。

テェディーベアー　Ｆ６号

今までのアトリエラポルトの作品にない可愛らしい絵が出来上がりました。作者のモチーフに対する想いが伝わってくるようです。テディベアのボリュームも良く出ていますし、毛の質感の表現も見事です。

ただ配色面では、全体が暖色系統で描かれていて統一感はありますが、寒色系統がほとんどない為に色味が単調な印象を受けます。暖色をより美しく見せるには適度な寒色の助けが必要です。（例えて言えば、お刺身の横にシソの葉やパセリを置くように）
そのような思考が絵を組み立てる段階で出来るようになると、モチーフを超えた魅力が絵に加わると思います。

アトリエの道具と画材 １１ 自作パレット

前回の「道具と画材」では、腕鎮を取り上げたので今回は自作パレットについて紹介します。

パレットは言うまでもなく画家の必需品です。画家によってパレットの好みはさまざまです。持って描く人、置いて描く人、四角形を好む人、楕円形を好む人・・・・・。
画材屋さんにいけば、大きいのから小さいのまで何種類も置いてあります。しかも意外に高いもので、単版無垢の木製パレッドだと大きいのは１万円を越すものまであります。

そこでアトリエラポルトでは希望者に自作パレットを薦めています。







厚さ３ミリのシナベニヤを好みのサイズに切ります。右は、キャビネットに置いて描くタイプの長方形パレットです。

これは、持って描くタイプの大型のフランゼン型パレットを作っているところです。かっこ良く使いやすいのですが切るのに骨が折れます。

この後サンドペーパーをかけて滑らかに整形します。

形が取れたシナベニヤにリンシードオイルをしみ込ませます。

表と裏に塗れたら、約１週間乾かします。
この後は表面だけでよいのですが、最低３～４回はこの作業を繰り返します。

完成！

。

画材入れボックスの上にピッタリ置けるサイズにしてあります。使い始めは絵具の油が吸われる感じがしますが、毎回終わったらきれいに絵具をふき取り、リンシードオイルか残った溶き油を薄く塗っておくと次第に使いやすく美しい光沢のあるパレットになってきます。

色彩的表現を目指して

すでに公募展に作品を発表され活躍の場を広げているＴ.kさんが、今アトリエラポルトで取り組まれている課題を紹介します。

Ｔ.kさんはシスレーを中心とする印象派の風景画を好まれ、それにより一層の色彩的表現を加えられないか模索しています。

色は感覚的要素が強く作者の趣味や個性が出しやすい半面、客観的に秩序立てて考えるのが難しいものです。

そこで、T.kさんにはシスレーのような再現性を最低限度保つ意味から、遠近法と明暗を使って空間と形を表すことから始めるようにアドバイスしています。

それをベースに虹色（スペクトル）の絵具を使って描くように勧めています。ただしパレット上では反対色（色相環上の反対側にある色）どうしは混ぜないことを原則とします。

かなり制約のある描き方ですが、色彩の調和が得やすく、筆触を付けて厚く不透明に絵具を置くタイプのＴさんには合った方法だと考えています。

リアルト橋のレストラン　（F６号）

この手法で描き初めてから６～７枚目になりますが、大分描き慣れてきたと思います。

ヴェニスの街並みの色とも合って、彩度の強さが気にならなずに「表現」になってきています。

ただデッサンの構造的な見方が足りないために、下手をすると描き殴った未完成の絵に見えてしまう恐れがあるので要注意です。色彩の魅力に引きつけられて、デッサンが疎かにならないようにしたいところです。やはり絵の基本はデッサンです。

アトリエの道具と画材 １０ 「腕鎮」

今回はアトリエの必需品（？）、「腕鎮」またの名を「画杖」（英：Mahlstick, 仏：L'appui-main）について考えてみたいと思います。

腕鎮は、ゲッテンス＆スタウトの絵画材料事典によると「木製の軽い棒の一端に柔らかい皮で包んだ球をつけたもの。絵を描く方の手をこの上に置いて支えるための道具である。球部はイーゼルの一部に当てて支え、時には画面の一部に当てることもある。もう一端はパレットを持つ手で持ち、仕事をする方の手は棒の上に置く。」となっています。

右はフェルメール作「画家のアトリエ」の部分ですが、その様子が描かれています。

前述の絵画材料事典によると、油絵が広く行なわれる以前の時代にはあまり用いられなかったようで、中世やルネッサンスの絵画論には出てこないそうです。

これはディドロとダランベールが1772年に完成させた百貨全書の中からの1枚で、イーゼルや絵具箱と一緒に腕鎮が載っています。

これがアトリエラポルトで使っている腕鎮です。

上から、カーテンレール用の棒を転用したもの。次の2つが自作のもの。最後がホルベイン社製の携帯用腕鎮（3つに分解できる）です。

その内の自作の腕鎮は、直径8ミリ・長さ90ｃｍの棒材の先端に綿を球状に巻きつけてセーム革で包んだ後、タコひもで括り付けて作りました。たいへんローコストで使いやすい腕鎮です。











画家の中には腕鎮の使用を嫌う方もいますが、緻密にモチーフを描き込んでいくには必需品だと思います。

これは受講生のアイデアで、先端部分をクリップで挟むとキャンバスの淵に引っ掛けられて手で持たなくてもよくなります。

こんな感じです。

また大作を描く場合やもっと安定した画杖が欲しいときは、右のような床から立てかけるタイプも作りました。

長さは１．８ｍ、一辺１．８ｍｍの角材で、床に接する部分には滑らないようにゴムを付けています。

キャンバスに直接触れないように、イーゼルに横棒の支えが取り付けてあります。

余談ですが、筆者が学生時代にフランスの美術館で模写をしていた時、覗きにくる小学生位の子供達から度々受けた質問が　「それ（腕鎮）なあに？」でした。フランスでも馴染みのないものなのか、東洋人が変な棒を持っている姿がおかしかったのか、懐かしい思い出のひとつです。