『絵画史における「アカデミック（academic）」という語は、本来、17世紀以降のヨーロッパにおいて整備された美術アカデミーの制度と、その教育体系の中で形づくられた制作理念や方法論を指します。その基盤には、古代ギリシャ・ローマ美術を理想的な規範とする古典主義的な価値観があり、比例と均整に基づく人体表現、明確な構図の秩序、歴史画を頂点とするジャンルの体系、そして厳格なデッサン訓練を中心とした段階的な教育課程が重視されてきました。とりわけ人体表現はその核心に位置づけられ、手本となる版画の模写から始まり、石膏像写生、さらに生身のモデルへと進む段階的な学習を通して、規範的な形態と言語としての「美」が身につけられていきました。
しかし19世紀後半から20世紀にかけて、芸術観の多様化と近代美術の展開の中で、「アカデミック」という語は、形式的・教条的で創造性に乏しいといった否定的な意味合いで用いられることが多くなりました。この評価は、アカデミー制度の権威性や保守性への批判と結びついて形成されたものですが、その過程で、アカデミック教育が長い時間をかけて築いてきた技術的基盤や視覚言語の体系も、次第に見失われていきました。
本展では、このような歴史的背景をふまえ、アカデミックな美術教育の中心にあった人体表現に焦点を当てます。ローマ賞エントリー作品を軸に、厳格な課題制作の中で培われた造形感覚と構成力の実例を紹介するとともに、20世紀においてもなおアカデミックな基礎を踏まえながら独自の表現を模索した作家の作品もあわせて展示します。さらに、当時使用されていた教材、版画集、解剖学図譜、画材なども併せて紹介し、作品が生まれた教育環境と制作の過程を具体的にたどります。 小さな企画展ではありますが、「アカデミック」という言葉に対する評価を見直し、その教育理念と造形の考え方を再考するための一助となれば幸いです。』
