本の紹介 アルベルティ「絵画論」

左：1977年版　右：2011年改定新版

前回のブログでグリッド（碁盤状の升目）を利用した遠近法に基づくデッサンを紹介しましたが、それに関連して、今回はアルベルティ「絵画論」（三輪福松訳　中央公論美術出版　初版1971年）を取り上げます。原本は1435年にイタリアのフィレンツェで書かれました。

"De la Peinture"
Jean Louis Schefer 訳　Paris 1992

アルベルティ（Leon Battista Alberti,1404-1472）は、まさにルネサンスの人文学者を代表する人物で、その多肢に渡る教養と活動はルネサンス時代の理想像「万能の天才」として伝えられています。

後世に多大な影響を与えた著書も残し、その主なものは現在では日本語訳で読むことができます。
紹介する「絵画論」以外では、次のものがあります。
「建築論」　相川浩訳　
　　　　　　中央公論美術出版　1982年
「芸術論」　森雅彦訳　
　　　　　　中央公論美術出版　1992年
「家族論」　池上俊一・徳橋曜　
　　　　　　講談社　　2010年




特に「絵画論」（De pictura)は、ルネサンスに始まる新時代の西洋絵画の方法論を示した記念碑的な著作です。

内容は3巻に分かれています。

第1巻と第2巻は、おもに幾何学的遠近法と絵画の構成要素ついて論述。
第3巻は、技術論を越えて画家と作品はどうあるべきかについて述べています。

その内容についての解説は、その後多くの研究者が試みてますが、ここでは1992年にフランスで出版されたシェフェル訳に載っている作図を見てみます。

実際の作図法についてはここでは触れませんが、このように遠近法が生まれた当初から、グリッドを使った遠近法が考えられていたのが分かります。

グリッドを遠近を測る尺度として使用する方法は、その後「画家の遠近法」として発展し、西洋絵画の中で頻繁に表れます。

ボッティチェリ

ベラスケス

フェルメール

ティントレット

幾何学的遠近法は、単なる空間表現の手段ではなく、西洋の文化と言えるほど重要なものです。アルベルティの「絵画論」はそのさきがけで、西洋絵画を理解する上で欠かせない本です。

アトリエラポルトでは、このような方法論を今のデッサン教育の中に取り入れられないかと、試行錯誤しています。

遠近法の作図とデッサン

今回は遠近法の作図を手掛かりにして、実際のモチーフを見て描いたデッサンを紹介します。

まずは、モチーフ台に碁盤状のマス目を引きます。（今回は1マス3㎝）


デッサン紙には、同じ尺度のマス目を遠近法の理論に従って作図します。

A.-E.MARTY “Perspective sans mathematiques"より

画面上の地平線の真ん中に中心消失点をとり、縦方向の線（画面に対して90°に交わる線）をそれに向かって引きます。

横方向の線（画面に対して平行な線）は、中心消失点から、画面の幅の1.5倍の位置に、画面に対して45°の線の消失点（鑑賞距離点）をとり、先ほどひいた中心消失点に向かう線との交点で求めます。




鑑賞距離点（絵を見る距離）は、現在では視野が横方向に37°、縦方向に28°と考えて、画面の幅の1.5倍、高さの2倍を取ることが一般的です。

左の写真はほぼその位置からモチーフを眺めたところです。

マス目を基準に、各モチーフの机と接する位置と高さを求めます。

見た目と勘を頼りにデッサンするよりも、遠近法に基づいてモチーフの位置関係や大きさを正確に表現できます。

このような方法は、西洋のアカデミックな絵画ではよくおこなわてきたもので、特に大画面での制作には必要不可欠な技術でした。

線で形が取れた後、チャコール鉛筆の白と黒を使って明暗を付けていきました。

ミタント紙にチャコールペンシルの白と黒　（410×320）

デジタル技術の発達した現代においては、写真をパソコンで加工してトレースすれば遠近法の知識は不要かもしれません。

しかしアトリエラポルトでは、対象を見て描くデッサンや絵画において、遠近法の知識は不可欠であり、大きな助けになると考えています。

サイトサイズによる作例

前回に引き続き、サイトサイズ法によるY.mさんのグリザイユ作品を紹介します。

アトリエラポルトでは、明暗を付けたデッサンの延長線上として、このような油絵具によるグリザイユをおこなっています。

メジチの目　F６号

Y.mさんの初めての油絵です。
デッサンに時間をかけて学んだ成果の出た作品になっていると思います。


使用絵具：シルバーホワイト
　　　　　アイボリーブラック

キューピット　M10号

暖かい色調のアイボリーブラックに、冷たい色調のランプブラックを加えて、ニュアンスのコントロールができるようにして描きました。




使用絵具：シルバーホワイト
　　　　　アイボリーブラック
　　　　　ランプブランク

P8号

光は暖かく影は冷たく、近くは暖かく遠くは冷たく、などグレーの中に寒暖の変化をつけて、輝きと自然なボリュームや空間感がでるように試みた作品です。


使用絵具：シルバーホワイト
　　　　　イエローオーカ―
　　　　　アイボリーブラック
　　　　　ランプブラック　
　　　　　
　　　　　

メジチの鼻　F4号

より寒暖のニュアンスの幅を広げて描いた作品です。




使用絵具：シルバーホワイト
　　　　　ローアンバー
　　　　　ランプブラック









Y.mさんのグリザイユ作品を見て頂きましたが、サイトサイズ法による成果が良く表れていると思います。まだまだデッサンや明暗の扱いに不慣れな点はありますが、半年にも満たない期間に、仕事の合間を縫って制作されたとは思えない上達ぶりです。

グリザイユを日本では油絵の下書きとして捉えられることが多いようですが、西洋では建築の内装などで彫刻の代わりとして、そして絵を学ぶ過程の1つとしても扱われてきました。
ここで紹介したY.mさんの作品で見るように、デッサンと油絵を結びつける意味でもグリザイユは有効です。そしてそこに寒暖のニュアンスの効果を加えることで、多色絵画への繋がりをつけられるのではないかとアトリエラポルトでは考えています。

サイトサイズについて

今回はサイトサイズについて、その制作例を紹介しながら考えてみたいと思います。

制作者のY.mさんは、アトリエラポルトに来てから初めて絵を学ばた方です。会社勤めをされながら通われて約1年半が過ぎ、現在はサイトサイズでグリザイユを練習しています。

サイトサイズの方法については、すでに当ブログで説明していますので詳細は省きますが、その趣旨は「見比べて描く事」と言えるでしょう。写実的な絵のトレーニングとしては、初心者の方にも分かりやすく上達の早いやり方だと思います。

近年、シャルル・バルグの手本集が「ドローイングコース」という題名で翻訳出版されてから、日本でも知られるようになった方法です。

ジャック・サリー作　少女像
水彩紙に木炭　 540×380

陰影をつけて、石膏像の形とそれが置かれている空間を再現する目的で描いたデッサンです。サイトサイズはこのような表現に向いています。

まず画材面から考えると、日本で広く使われているヤナギ木炭とMBM木炭紙は、このような濃く滑らかに陰影を追いながら細部を描き込んでいくデッサンには向きません。

クリ、ハン、ホウ、ミズキなどの硬目の木炭の使用と、目が細かくて木炭の定着の良い紙を探す必要があります。この作品では水彩紙を使いましたが、メーカーの使用目的に拘らずに、木炭に合った紙を探してみることをお勧めします。

制作にあたっての注意点は、サイトサイズは形や明暗を捉えやすいのですが、その分、単なる現実の引き写しになりがちです。クラシックなデッサンの目的は、あくまでも対象の正確な形とボリュームを表すことを前提としています。現象的な明暗を追うことで形が曖昧にならないように解剖学を踏まえた整理と選択が必要です。

例えば、左の拡大画像を見ると、暗い背景に接する光の当たった明るい輪郭側からも（頬やおでこなど）各形態のハイライトに向かってデリケートにモデリングされているのが分かります。（現実は暗い背景にスポットライトの強い光で輪郭が最も明るく感じます。）

また、影の中の反射光も実際より暗く抑えることで、ボリューム感が損なわれないように調整しています。

サイトサイズは現実に似せやすい反面、画面の形から幾何学的にモチーフの配置を考える「構図法」や「遠近法」の勉強には不向きです。

アトリエラポルトでは、基礎のデッサンを学ぶ際は、まず遠近法の理論に基づいた「枠」（窓）を使ったデッサンから始め、現実空間の明度（Valeur）を表す段階になってから、サイトサイズをおこなうようにしています。

次回は、Y.mさんのサイトサイズによる油彩グリザイユを紹介します。

油絵スケッチの練習

今回は油絵具によるスケッチ作品を紹介します。
作者のE.fさんは、アトリエラポルト創設以来のメンバーで、今までに様々な手法で制作されてきましたが、ここでは原点に戻って、花をモチーフにスケッチの連作を試みました。

使用する基底材は、キャンバスペーパーです。堅牢性はありませんが、コストが安くて、絵具のノリや発色も良いので、スケッチの練習には最適です。

通常は白い紙ですが、明るい部分に絵具を厚く置きやすくするために、中間色に塗っています。

右上の絵の部分

どのスケッチもA４サイズで、2時間から4時間位で描かれています。
枚数を重ねるごとに良くなっているのが分りますし、それとともに描く楽しさも増していったのではないかと思います。
スケッチは理性的（造形的）な判断と直感的な判断のせめぎ合いが面白いところです。
教える側は、あくまでもロジック優先でアドバイスしますが、作者本来の魅力とは、このようなスケッチの中にあるのかも知れません。

本の紹介 ウィリアム・ホガース著 「美の解析」

今回紹介する本は、ウィリアム・ホガース著「美の解析」（宮崎直子訳　中央公論美術出版　2007年）です。原本は、1753年にイギリスで出版されました。（The Analysis of Beauty by William Hogarth.）

筆者のウイリアム・ホガース（William Hogarth 1697-1764)は、18世紀イギリスを代表する画家で、連作版画や肖像画、特に風刺画で当時の社会に大きな影響を与えました。
その割に本書の評価は低く、現在に至っては知る人は僅かだと思います。

でも、美学書としての評価は低くても、絵を学ぶ上で誰しも考える「美しい形とは？」という疑問に、具体的な（造形的な）方法論を展開している点では貴重な本です。

目次は次のようになっています。

序文
第1章　合目的性について　「Fitness」
第2章　多様性について　　「Variety」
第3章　単一性、規則性あるいは対称性について　「Regularity」
第4章　単純性あるいは明確な区別について　「Simplicity」
第5章　複雑性について「Intricacy」　
第6章　質量について　「Quantity」
第7章　線について
第8章　心地よい形態はどのような部分から、そしてどのように作られるのかについて
第9章　波打つ線による構成について
第10章　蛇状の線による構成について
第11章　比率について
第12章　光と影、及びこれらによって対象が目に説明される方法について
第13章　光、影、及び色彩に関する構成について
第14章　彩色について
第15章　顔について
第16章　姿勢について
第17章　動作について

そして、最後に本文の挿絵として、大判の銅版画が2枚付いてます。

例えば、右の2枚の部分画像は、主に7章から10章の内容の説明図になっています。

直線と曲線から始まり、その組み合わせで形が生まれる過程と構成方法が示されています。

ホガース美学の中心となる「美の線」すなわちS字曲線が示されています。

右下角には、15章の「顔について」の挿絵が載ってます。見ているだけでも風刺画が得意だったホガースを彷彿とさせます。

2枚目の版画は、主に12章から17章の内容の説明図になってます。

右のパレットは、14章の「彩色について」の挿絵。赤・黄・青の３原色に緑と紫を加えた5色のグラデーションが示されています。

このような線・明暗・色彩などの具体的な造形要素から「美の解析」を行うアプローチは、日本では馴染みの薄いものかも知れません。しかし、同じような「美」の分析方法は、西洋では古くはデューラやロマッツォの著書から20世紀の絵やデッサンの教科書に至るまで繰り返しおこなわれていて、決して珍しいものではありません。明治時代に来日して日本の伝統美術の賛美者であったフェノロサも、著書の中で同じような方法で日本絵画を説明しています。
ホーガストは、そこに持論である「ねじったＳ字曲線」の理論を加えたのが、この本のユニークなところです。
画家の立場から具体的な手段として「美とは？」を考える時の参考になる本だと思います。

グリザイユから作品へ

アトリエラポルトでは、グリザイユをデッサンの延長線上としてカリキュラムに取り入れてますが、それを応用して作品にした例を紹介します。

制作はCGの仕事をされているK.yさんで、アトリエラポルトで学ばれて5年のベテランです。

一般的にグリザイユは、白い絵具と黒い絵具を使ってモノクロームで描くことが多いのですが、K.yさは１０数種類の絵具を自由に使って、色のない石膏を描きました。板張りの背景で、鮮やかな色はありませんが、明暗をベースにデリケートな色相差を駆使した作品となっています。

始めにキャンバスと同じサイズの画用紙に鉛筆でデッサンしました。

キャンバスにデッサンを転写した後、モノクロームに近い色調で明暗を付けていきます。

徐々に色を加えまます。
今回のような彩度の高い鮮やかな色がない絵では、ボリュームや前後関係に添った寒暖の使い分けと色の響き合いが重要です。

エチュードとしてグリザイユでは、省いてしまうような鎖や木目を描き込むことで、K.yさん独自の絵の表現にしていきました。

「ダビデの目」　P8号

ルーブル美術館の修復部門のディレクターで、画家でもあったグーリナ（J.G.Goulinat1883～1972）は、「画家のテクニック」という著書の中で、次のように述べています。

「どれだけ多くの人が、コロリストとは、派手な色彩をもって表現する画家だと思い込んでいることか。
ー中略ー
コロリストとは、使用する色調の中から、ヴィヴラッション（振幅）の最大限を、また透明、明るさ、光沢などの最大限を引き出す人である。」

K.yさんの今回の作品は、その文章を思い起こさせます。鮮やかな色はありませんが、寒暖の色の配置と響き合いが的確で豊かです。古典絵画の彩色法の基本に通じる効果になっていると思います。

参考文献：J.G.Goulinat　“La technique des peintres"　1922年
             「画家のテクニック」大森啓助訳　美術出版社　1951年