大きなサイズの静物画を描く １

アトリエラポルトに来てから３年目を迎えたSさんは、初めて３０号の大きな静物画に挑戦されました。リアルな細密描写の得意なSさんが、どのように制作されたかを紹介します。

まずは、キャンバスにできる限り正確にモチーフの形をデッサンします。

ここで注目したいのが陰影をつけていない点です。Sさんほど描きなれてくると、デッサンは設計図を描くように線で形を表し、明暗の境目も線で印をつけて終わりにします。陰影は油絵具で行うことによって、デッサンにかける手間を最小限に減らし、キャンバスも汚さずにすみます。

ダイレクトペインティングの手法を応用して、絵具を置いた所から仕上るつもりで描いていきました。

背景が終わったところです。

次はテーブルに移りました。

テーブルの次は赤い布へと、面積の大きいところから描いていきました。

背景のブルーグレー、テーブルのイエロー、布のレッドというように、大きな色面の対比と組み合わせで対象を捉えるところに、Sさんの物の見方の特徴を感じます。


デッサンから始めてこの段階まで、約20時間です。

アトリエの道具と画材 5 「移動式モチーフ台」

今回紹介するのは、移動式モチーフ台です。

アトリエ　ラポルトでは、石膏デッサンや静物などを毎回片付けることなく、長期間に渡ってじっくりと制作して頂くために、移動できるモチーフ台を考案して、限られたスペースのアトリエを有効に使えるようにしています。

建材のワンバイフォー（１×４）と構造合板と角材を組み合わせて作りました。

下部は制作途中のデッサンや油絵を収納できるようにしました。上部の台は、取り外せて高さの調整が可能です。キャスターが付いているので移動がスムーズにできます。

後ろから角材を引き出すと、背景が立て掛けられるようになっています。

石膏像を置くとこのようになります。




















静物のセッティング

石膏像や静物は、形や構成を学ぶのに最適なモチーフです。アトリエラポルトでは、光の方向を一定に保ちながら、納得がいくまで制作が出来るように心がけています。

本の紹介 12 ： オックスフォード西洋美術事典(日本語版）

今回は、1989年に講談社が翻訳出版した「オックスフォード　西洋美術事典」を紹介します。

原本は、イギリスのオックスフォード大学プレスから1970年に出版された〝The Oxford Companion to Art”　です。


１336ページの分厚い事典の中には、西洋美術のエッセンスが詰まってます。

一般的な辞書としての「引く、調べる」という機能だけでなく、例えば、「美術教育」と引くとその歴史から現代の美術教育の方法論まで、論文を読むような内容になっています。

また、「美術鑑識」や「美術品取引」などのおもしろい項目があったり、「遠近法」「テンペラ」「油彩画」「ステンドグラス」「モールディング」などの技術面も大変詳しく的確に説明されています。

それに、日本では曖昧に使われがちな「プロポーション」や「コンポジション」や「リアリズム」といった言葉を、西洋本来の意味できちっと定義しています。


もちろん、画家・彫刻家・建築家や美術関係の学者についての記載は膨大な量に上ります。

遠近法については、16ページ分もの説明が載っている

出版からすでに２５年が経ち、一度も再販されていませんが、日本では未だに西洋美術の基本文献の翻訳が少ないので、このような辞典はとても貴重なものです。　まさに、画家や美術を学ばれる方にとっての“Conmpanion”です。

パリの街角の思い出

お仕事で長く海外での生活を経験してきたM.Aさんは、退職後も度々海外旅行をされて取材した風景をアトリエで油絵にしています。


今回は、パリの街角の風景です。写真を使っての制作になりますが、単なる引き写しではなく、遠近法や構図や色合いを考えながら、思い出の風景を組み立てていきました。


撮ってこられた写真では、遠近が強く感じられたので（多分ズームレンズの広角側で撮った為？）修正しながら直接キャンバスにデッサンしました。

明暗の組み合わせとバランスが造形上のテーマのような風景なので、最初にシルバーホワイトとカッセルアースでグリザイユをして考えました。

建物の窓や柱などは、曲がったり歪んだりすると不安定に見えるので、フリーハンドで難しい所はマスキングテープを使いました。

グリザイユの下書きの上に固有色をかけていきました。

偶然にもグリザイユの透けた色合いの感じが、パリの冬の雰囲気を思わせたので、そのまま利用することにしました。

アクセントに彩度の高い花の色を加えました。

パリの街角　F１５号

最後に子供の服装の色が決まって色彩感のある絵に仕上がりました。色や明暗や形の組み合わせの工夫が、作為的に見えずに自然な絵の効果になっています。マチエールにもM.Aさんらしさが出ています。

このように、ふと目にした旅先の情景が、消えることのない絵となって残せることは、絵を描ける幸せだと思います。

画家を目指して

４か月前からアトリエラポルトでデッサンを習われているK.Hさんは、画家を目指して勉強中です。


アトリエラポルトでは、デッサンから始められる方には、遠近法の原理を理解して頂くために、画面と同じサイズの透視枠を置いて、適切な鑑賞距離に固定した視点から枠を透して対象を描いてもらっています。

A.DURER: Insteuction sur la maniere de mesurer.1525

この方法は、古くからおこなわれていて、ルネサンス時代に出版されたデューラーの本にもその例が載っています。



またこの方法は、初心者の方でも対象を無理なく捉えることができる上に、絵画の遠近法と写真との違いの理解にも役立ちます。

P.OLMER: Perspective artistique.1943

右のイラストは、1943年に出版された「芸用遠近法」からのもので、著者のオルマは当時パリの美術学校の遠近法の教授でした。デューラーの本から400年以上経っても変わらぬやり方に、西洋の歴史の深さを感じます。
















透視枠は糸で縦横に8等分されていて、同じマス目を画用紙上にも描いて対象の形を取っていきます。


















陰影は付けないで、できるだけ直線で形を捉えることによって、形が曖昧になるのを防ぎます。

線で形が取れたら、現実の陰影を利用してモデリングをしていきます。

青年ブルータス　530×455

初めての石膏胸像だったせいか、表情が少し固くなってしまいましたが、個々の形とボリュームはよく捉えられています。基礎デッサンでは、陰影で石膏像の印象を表すよりも、K.Hさんのように武骨になっても、しつこく形を描き表していくことが必要だと思います。

裸婦デッサンの制作例

今回は、裸婦デッサンの制作過程を紹介します。言うまでもなくそのやり方にはさまざまありますので、その中の一つの例として参考にして頂ければと思います。使用した画材は、キャンソン社のミタント紙にチャコール鉛筆の白と黒です。

まずは、全体の形を線で大きく直線的に捉えていきます。ここで必要なのが、勘に頼らずに徹底的に図ることです。

E.VALTON　著
Methode pour dessiner.より
1889年

E.VALTON　著
Methode pour dessiner.より
1889年

腕をまっすぐに伸ばして鉛筆（または棒）を立てて片目で測るのが原則です。（左図）

また、垂直を取るには錘を付けたひもを使うと良いでしょう。（右図）

線で形が取れた状態です。この段階ではまだ陰影はつけていません。














形が決まってから影をつけていきます。現象的な影を追うのではなく、形のボリュームが出るように選択した影を置いていきます。

明部は白コンテ鉛筆で描き起こします。

ハッチングで置いてから、浮いた感じがしたら擦筆で押えます。

全体の繋がりの中に、個々の形とボリュームが明確に表れるようにモデリングをします。

裸婦デッサン　（550×375）

人物デッサンは動くから難しいと思われがちですが、その本当の面白さは、微妙に動くモデルから美しい形やムーブマンや構造的つながりを探して、理想的な人体に組み立てていくところにあると思います。人体は石膏像や静物ではできない造形方法を学ぶ為にも、欠く事のできないモチーフです。

印象派の描き方に戻って

しばらくクラシックな手法で静物画を描いていたNさんが、久しぶりに印象派の方法に戻って制作された風景画を紹介します。

印象派の方法について書いた本で歴史的にも重要なのが、ポール・シニャック（Paul Signac 1863-1935)の書いた「ウジューヌ・ドラクロアから新印象主義」（D'Eugene Dolacroix au Neo-Imprssionnisme.1898)です。

その中でシニャックは、印象派の目的を「可能な限り（自然）の輝きを絵具で生み出す」とし、その手段のひとつとして「太陽のスペクトルに近い純粋な色だけをパレットに配置する」としています。

そしてこれらの絵具に白を加えて明度の変化を作ります。ここで誤解しやすいのが、現在日本の色彩学は、マンセル（A.Munsell　1858－1918）の理論が主流になっている為、白を加えると「彩度（Chroma)が落ちる」、すなわち「鮮やかさが落ちる」と考えてしまいがちなところです。

実際はそれとは反対に、印象派の画家たちは、スペクトルによる光の混色(加法混色)の再現を絵具で試みようとした訳で、白を加えることは、白色光すなわち太陽の光に近づき「輝度（Luminance）が上がる」と考えていました。印象派の絵がハイトーンになっていった理由も、このことを踏まえると理解できると思います。

今回のNさんの風景は、ご自宅近くの池のある公園で、水に反射する光の煌きの表現が見せ所です。


ますは、白いキャンバスにウルトラマリンでデッサンを定着させた後、点を打つように絵具を置いていきました。

草木の緑色が画面の大半を占める絵ですが、光の煌きを表すには、反対色である暖かい色の並置の仕方が重要なポイントとなります。

また、現実の緑と水に映る緑の描き分けや遠近感の表現も難しい所です。

水辺の風景　F８号

途中で絵具を擦り付けて色が濁ってしまい、どうなることかと心配しましたが、粘り強く制作されて最後にはたっぷりと絵具の載った印象派らしいマチエールの絵に仕上がりました。青色の変化がいささか単調ですが、筆触や色の並置の仕方も工夫されて、光の輝きを感じさせるのに成功していると思います。ただ、このような手法でアトリエで制作する場合は、現場の写生を怠るとつまらない工芸画のようになってしまいますので注意が必要です。