祈りの模写

今年2月に米寿の記念におこなった初の個展が大成功に終わったF.hさんが次に取り組まれた仕事を紹介します。

それは、ラファエロの描いた聖母像の模写で、長年通われている教会に掛ける目的で制作されました。

原画は1505年ラファエロ22歳の作品です。技術的には師のペルジーノの影響が強く残っています。テンペラと油彩の混合技法と考えられますが、その詳細については未だに分からない点の多い時代のものです。

今回F.hさんには、ラファエロと同じような技法を探りながら模写をするのではなく、現在手に入る油絵具でその時代の色に近いものを選び、キャンバスに油彩という無理のないやり方で制作して頂きました。

使用した絵具：
シルバーホワイト、ネープルスイエロー、イエローオーカ―、レッドオーカ―、バーミリオン、マダーレーキ、ウルトラマシン、ヴィリジャン、テールベルト、アイボリーブラック

溶剤はグザヴィエ・ド・ラングレの処方を参考にしました。

地塗りをして目をつぶしたキャンバス（原画は板）にデッサンを転写して、背景から仕上げていきました。






この時代の絵の特徴は、顔料の美しさを最大限に引き出して表現する点にあります。そのためにF.hさんには、反対色の混色を避けて、同系色の絵具を何層も重ねることで色の深みと明暗（モデリング）を出すようにアドバイスしました。

肌色は全体にテールベルトを均一に塗り、乾いてからレッドオーカ―とシルバーホワイトで中間色調を置いた上に、バーミリオンとシルバーホワイトで明部を描き起こしていきました。

髪の毛はイエローオーカ―とレッドオーカ―で色調を合わせ、暗い部分にはアイボリーブラックを加えました。

幼いキリスト像がほぼ出来上がったところです。ここまで来るのに肌の部分だけでも５～６層は塗り重ねています。

最後に最も難しい聖母の顔を描きました。

ラファエロ作「カウバーの小聖母」の模写（450×330）

下書きまではご自宅でされてきましたが、それでも週１回（2時間半）の教室での制作で約５か月かかりました。

原画を見ていないのでどこまで近づいたかはわかりませんが、F.hさんの目的には十分な出来栄えとなったと思います。

模写を教える側は、出来るだけ資料をあたってラファエロの技法に近くなるように考えますが、F.hさんの木の葉一枚一枚、髪の毛一本一本を丹念に祈るように描いている姿を見ていると、実はもっともラファエロの精神に近づいているのはF.hさんではないかと思いました。脱帽です。

本の紹介 １７ 「立体で見る美術がわかる本」

今回は子供向けに作られた、とてもおもしろい美術書を紹介します。

題名は「立体で見る美術がわかる本」で、著者はロン・ファン・デル・メールとフランク・ウィットフォードです。福音館書店から2001年に美術の入門書として出版されました。（原本は1995年オランダで出版。日本語版の翻訳は市川恵里・池上理恵）

同じ著者による本は、１５年ほど前にたまたま東京の洋書店で見つけて、その作りの面白さに感心していたところ、その後日本語訳で同じような本が出たので喜んだものです。

その最大の特徴は、美術作品の基本的見方が「とびだす絵本」のように立体的かつ具体的に説明されている点です。

目次は、
・美術はどのように作られるか
・写実的に描く
・光と色
・動き
・模様と構図
・物語となぞ
・スタイルとテーマ
となっていて、それぞれが非常に具体的に「手に取るように」解説されています。

例えば、「美術はどのように作られるか」では、上の絵の写真をめくると、裏に技法と画材の説明が書いてあります。

「写実的に描く」では、なんとフェルメールの部屋が立体的に再現されています。

そしていかにフェルメールが遠近法を駆使して絵を描いたかが驚くほど具体的にわかります。

鑑賞地点（フェルメールの目）が設定されていて、そこから覗くとまさに絵のようです。

「光と色」では、混色の原理について、回転混色板や絵具チューブのイラストを使って説明されています。また絵画への応用例が示されています。

「動き」では、モビールが作れたり、コマ捕り写真から動く映像への発展過程とその影響を受けた美術作品が紹介されています。

「模様と構図」では、装飾（平面）と絵画（空間）の関係から構図について説明されていて、絵画の本質的な問題に触れる思いがします。

「物語となぞ」では、鏡を使った複雑な場面設定で知られるベラスケスのラス・メニーナスの部屋が再現されています。

国王夫妻側から見た場景

ベラスケス側から見た場景

子供向けの絵本と言うより、絵に興味をお持ちの大人の方にも大変参考になる本だと思います。

これだけの内容をわかりやすくこのような本の形で子供に伝えようとする文化的・歴史的背景に感心するばかりです。

日常の一コマをテーマに

アトリエラポルトの最初の受講生で今でも毎週通い続けて頂いているＹ.kさんが、グループ展出品のために描かれた絵を紹介します。

今回はご自宅の居間を舞台に、いつも身近に接する物たちをモチーフにしました。


家で描いたスケッチやデッサンを基に、教室で油絵を制作しました。写真の左の絵はキャンバスペーパーに描いたスケッチで、右は構図や明暗を考えながらF６号サイズに再構成しているところです。

名所旧跡や高価で煌びやかな品々で目を引く絵ではない分、造形的な魅力をどれだけ見つけ出すかが良い絵になる条件だと思います。小さいサイズだと探しやすく、修正もしやすいので、この段階で時間をかけて煮詰めていきたいところです。

エスキースで構想が定まったら、いよいよ１５号のキャンバスに制作です。

このようにベテランのＹ.kさん位になると、油絵の技術的な問題より、構図や色や明暗などの造形的な面が、作品の良し悪しに大きな影響を与えます。教室では、その点を重視してアドバイスをしています。例えて言えば、「７～８割が構成、２～３割が技法」のような感じです。

「古い暖炉」　F１５号

見慣れた日常の一コマが、絵として生まれ変わったような作品で、アンチーム（ｉｎｔｉｍｅ）な雰囲気にあふれています。造形的な面においても、明暗法の中に、黄金分割や大小の矩形の反復とバランスなどを考えた大変凝ったものになっています。退職されてから絵を始められたのが信じられないほどの出来栄えです。

第７回　紙パルプ倶楽部絵画展より

現役時代のお仲間と始められた展覧会も今年で７回目を迎えました。年々規模も大きくなり、作品も充実して見応えのある展覧会になっています。

空気遠近法

今回は、距離感（奥行き）を表す方法について考えてみたいと思います。

西洋絵画における距離感のベースは言うまでもなく線遠近法ですが、これに明暗のコントラストの変化と色合いの変化を加えたものが空気遠近法（Aerial Perspective)です。特に風景画などの広大な空間を再現するには不可欠な方法です。

“Cours de Peinture par Principes”
Ｒｏｇｅｒ　ｄｅ　Ｐｉｌｅｓ　1708

そこで、ロジャー・ド・ピル（Roger de Piles 1635～1709）の本をヒントに、なんとか教室で空気遠近法の練習ができないものか試してみた例を紹介します。

ド・ピルは、17世紀フランスの代表的理論家で、色彩と明暗法に関する考え方はアカデミーの絵画に大きな影響を与えました。

右は著書からの挿絵で、球体が遠ざかるに従って光と影のコントラストが弱まり、輪郭もボケていくことが説明されています。また，まとまった時とバラバラになった時の光と影の付き方の違いが示されています。

実際のモチーフも上の挿絵と同様に葡萄を使って、左のようなセッティングを考えました。手前から右奥に向かって暗くなっていくように照明をしています。

制作は、画家を目指して修行中のＫ,hさんが試みました。

木炭でデッサンを取ってから、薄く溶いたバーントアンバーで明暗をつけた後は、ダイレクトペインティングの手法で、一気に色を置いていきました。

葡萄のエチュード　（M６号）

葡萄自体がかなり明度が低かったので、明暗のコントラストによる奥行きの変化をつけるのに苦労されました。
例えば１番手前の葡萄に対して2番目は、白を加えて明るくすることで彩度を落としていますが、３番目は暗くすることで彩度を落としています。
絵画表現としてはこれで良いと思いますが、本来の空気遠近法ではド・ピルの挿絵に見るように、手前から順番に明るくするか暗くした方が、より自然な奥行きを感じさせられます。セッティングを含めたこれからの課題だと思います。

作品の紹介 ８ 裸婦デッサン

今回はアトリエラポルトの講師の描いた裸婦デッサンを紹介します。


使用した画材

・キャンソン社製のミタント紙
・チャコール鉛筆の白と黒
・チョーク
・擦筆
・セーム革
・紙やすり（チャコール鉛筆の芯を尖らせる為に使用）

裸婦デッサン　（550×370）

裸婦デッサン　（550×370）

裸婦デッサン　（550×370）

三原色から始める

アトリエラポルトに入ってから約１年半、週１回の受講で基礎デッサンからグリザイユへとステップを踏んで勉強されてきたK,rさんが、いよいよ色を使った油絵に進まれました。その制作過程を紹介しながら三原色の描き方について説明したいと思います。


アトリエラポルトでは、初めて色を使って描く方には三原色に基づいた最小限度の絵具での制作を薦めています。
鮮やかな色合いの絵にはなりませんが、明暗法に基づく現実空間の再現の練習には適した方法です。

使用する絵具は、イエローオーカー、レッドオーカー、ウルトラマリンを選びました。これに明度の変化を付けるためにシルバーホワイトとバーントアンバーを加えます。バーントアンバーは黒の代わりで、理論どおりに黒絵具を使うと色のニュアンスの乏しい絵になりやすいので避けています。

まずは、薄く溶いた褐色調の色合いでデッサンをなぞり、影を付けていきます。










次に三原色に白を加えたパートのある（バターのような）絵具でモチーフの色と明度を探していきます。

最初は混色理論にこだわらず自由に絵具を混ぜて、どんな色になるか発見しながら描くことが大切です。意外にいろんな色が出来るので驚かれると思います。

仕上げに近づき色の鈍さが気になりだしたら、レモンイエローやカドミウムレッドなどの鮮やかな絵具を加えて調整します。

細部を描き始めるとそこだけ色が飛んだようになりやすいので、時々モチーフと絵を並べて、離れた位置から全体を見比べることが必要です。

三原色による静物画　（F６号）

週１回の受講で約４ヶ月かかって仕上がりました。

途中でかなり色が暗く沈んでしまった時がありましたが、諦めずに制作を続けられて、最後は三原色で描いたとは思いえないほどの明るくて柔らかなトーンの絵になりました。初めて油絵具の色を使ってこれだけ描けたら言う事ありません。

デッサンからグリザイユへときっちりと段階を踏んで学ばれてきた上に、K.rさんの明度に対するデリケートな感性が加わった成果だと思います。

額装してお部屋に飾られると素敵ですよ！